WILLIAM MALPAS曾指裝置藝術是「在指定的空間、美學和心理上被設置成裝置藝術。」簡單說明，放在藝術館的磚頭和放在工地的磚頭，前者因為場地（藝術館）、排列形式（直線排列）而被視為裝置藝術。在空間裡，藝術家可以隨意控制當中的細節，由作品外的燈光、天花、地下以至個人作品；從中挑戰物理的界限，把習以為常的事情扭轉。
比起平面創作，用空間等不同元素製成的裝置藝術，所帶來的視覺衝擊更來得直接。面對龐大的藝術品，美國藝術家KURT PERSCHKE則認為它們令人產生「對空間的感覺（SENSATION），令我們對身體有即時意識（IMMEDIATE AWARENESS）。」加上裝置藝術沒有畫框限制，空間就是顏料的畫布。觀看者和被看者的身份隨著界線的消失而變得模糊。在山水畫或者以聖經故事為題的畫，因為當中神聖和極致（SUBLIME）的手法令人產生敬畏。相反，裝置藝術沒有框架區別，觀眾可以任意和作品互動，產生屬於他們自己的體驗。
Latifa echakhch
《All Around Fades To A Heavy Sound》
柔中帶剛，用來形容ECHAKHCH的作品最貼切不過。
她的作品《ALL AROUND FADES TO A HEAVY SOUND》，是2012年個人展覽《GOODBYE HORSES》其中一件作品。展覽以馬戲團為題，並在椅子、氣球和帳幕等馬戲團道具加以改造。是次作品是一塊10米乘10米的藍天白雲布幕；布幕只有一小部份安然懸掛著，左邊的一半更因失去支撐而歪倒，而下端的布幕就如被弄皺白紙般躺在地上。天空常被寓意為「希望」，這個塌下的天空卻唱著反調，就如落空的希望。有人認為只要把帳幕揚開，就會見到一片完整的天空，但藝術家解釋這個超大型的布幕根本無法在展覽場中展示，這亦是當中的竅妙之處。對未來的美好想像，也許只是腦海中的幻想。
藝評人曾對ECHAKHCH的作品留下這個評語：「當為人所知的事物被抽去原本的意義，才會有新的詮釋方法。」作品的隱喻，漸成為她的個人特色，更為她的作品增添一份多愁善感。大學時，ECHAKHCH短暫加入過較進取的學生組織，但發現自己根本不適合。而作品就成為她發聲的出口，向世界發出無聲的控訴。
MIT JAI INN
《Planes（Erupt） detail》
《PLANES》分為HOVER，ERUPT和ERODE三個部份；說是作品，更像一個實驗計劃。第一部份： HOVER，畫家在畫布兩面塗上顏料，並懸掛在空中，如飛機在天空劃過；第二部份： ERUPT，亦即是這次展出的作品，畫家帶著科學家精神，測試不同顏色帶來的效果。值得一提的是，畫家所用的顏料是不用買到的，因為他認為廠製的顏料太剛硬，所以他在顏料中加入DIY的液體，畫的時候就更加揮灑自如。在長長的畫布中，透過反覆塗上顏料，漸漸形成一個個小山堆。一層層的顏料，就如時間的見證人，把畫家的勞動記錄下來。第三部份： ERODE，MIT在淺池中，加入水、酒、合成油和亞麻籽油。當酒精揮發後，底下的顏料就會被慢慢揭開。由於大部份作品的面積過大，MIT索性把清邁的工作室興建成半室外、半室內的狀態，方便他日常的工作。
MIT JAI INN畢業於泰國知名藝術大學SILPAKORN UNIVERSITY，畢業後遠赴維也納修讀應用藝術。曾為維也納著名藝術家FRANZ WEST擔任助手。1992年回國後，他成立了清邁社會裝置藝術節（CHIANG MAI SOCIAL INSTALLATION PROJECT），當中涉及如行為藝術、影片等前衛藝術，可惜只舉辦六期就告終。MIT JAI INN一直對美學、社會和政治等切身問題作出回應，當他的作品被視為混亂、沒有焦點的時候；對他來說，也許焦點一直也是清晰未變。
Joël Andrianomearisoa
《The Cartographies of Desire, the space between us》
看裝置藝術不妨看作品名稱，也許能給你一點提示。
CARTOGRAPHIES即是製作地圖的過程，在JOËL ANDRIANOMEARISOA的《THE CARTOGRAPHIES OF DESIRE, THE SPACE BETWEEN US》，黑色的布上沒有明確的地點位置，只有一排排縫得密密麻麻、排列有序的小布。物料的柔軟令本應整齊的隊伍變得鬆散，甚至帶點混亂。心煩時看，竟有點叫人釋放，原來一切也是藝術家利用布料說故事的功勞。
旅程起點在馬達加斯加，ANDRIANOMEARISOA小時候已接觸纖維、絲絨和植物等不同物料，後來移居法國，並在大學時開始利用布料，紙張和塑膠創作。藝術家曾在訪問說過他很怕追不到時代，所以他只好一直與主流對抗，來安撫他的恐懼。在作品中，整齊和混亂，密集和疏離；細心留意，發現第一排布料和第二排布料雖然貼緊，卻沒有交纏在一起，反而第二排和第三排更似是混為一體。
回看ANDRIANOMEARISOA的作品，大多也是以黑色為主，但他眼裡看到的卻是一千種黑色。「我作品中的黑色是一種，也是一千種。對我而言，不斷用黑色去創作，就是在既定模式下尋找新的定義。」「黑色是既奇妙，又令人煩擾的。但黑色一直都存在，而且它令所有事都變得合理。」
和畫畫的點、線、面相比，用物料就以用剪裁、壓縮、上色等工序表達出藝術家的想法。如果看過他在2017年南非現代藝術雙年展的作品《THE LABYRINTH OF PASSIONS》，布料由貼好，到慢慢剝落，就像歌曲由平鋪直序的音符，到節奏加快，最終所有事情陷入失控的狀態。如同這個失控的社會中，還有留下什麼空間呢？
//全文刊登於號外3月號//
