講邏輯，愛音樂，喜歡編程，追求創意，主修電子工程，卻投身設計行業，這些看似截然不同而又有所重疊的背景，成就了朱力行（HENRY）獨特的新媒體藝術之旅。他自言從小不守規矩，返學想打波，去日本要吃西餐，「我經常想DETOUR，走一條不一樣的路，我想這是創意的根源，第一是我不想跟大隊，第二是不想被人猜到我做什麼，第三是不想重複。」

科技 / 音樂

HENRY的作品總是融入科技，但他重申藝術創意在於概念，而非技術前沿。「有段日子很流行用KINECT，用動態捕捉技術感應動作，不過當這個技術平民化，連SNAPCHAT和INSTAGRAM都用到之後，依賴這個技術的藝術就顯得有點普通了。我的作品《SHADOW HARP》（2017）也有運用這技術，把觀眾的身體變成樂器，這是先有概念再找技術的好例子。」他又以《聽風的琴》（2022）為例，5.5米長的特製鋼琴同時是一個互動風機，彈琴時會有風吹起上方的布料，把音樂變成風狀雕塑，「我最初用風扇，但不夠大力，反應不夠快，於是才改用農業用的無人機風扇。」人人對高科技趨之若鶩，HENRY近年卻反其道而行，「有句話叫『HIGH TECH揩嘢，LOW TECH撈嘢』，指HIGH TECH有很多風險，LOW TECH則較為實在和穩定。我的作品在操作上變得愈來愈簡單，因為一用到電腦，可以出的亂子就很多。以前曾有客人買了作品後說它壞了，我遙距檢查時發現竟然連電腦中的檔案都消失了。我現在想作品的IMPACT大些，複雜性低些，或者把互動作品留到委約創作時再做。現在大家常會用到的AI，我算用得很節制，視它為伴碟而非主菜。」

應用的科技高開低走，音樂卻一直是其所愛，HENRY懂得彈琴和打鼓，也會基本的單簧管、口琴和結他，「音樂除了聆聽之外，彈奏能助你更深層地去理解它。」《我不要蒙在鼓裡》（2024）是他心目中的代表作，「那是一件EMOTIONAL OBJECT，會因為周圍的人和社交活動而有不同的心跳，靈感源自我身邊有人有PANIC ATTACK。人心和鼓都有心跳，我把它們駁通在一起，我想像如果鼓有認知的話，它會如何表現，而技術在當中並不重要。以前我會想把音樂轉化為另一種媒體或感覺，但始終把樂器當成工具，而這次我把樂器和它的反應變成敘事，讓人思考更多。」

HENRY另一件常被談論的作品《區塊鏈鋼琴》（2021）亦跟樂器相關，將加密貨幣的實時價格變成音符，觀眾在按下琴鍵時能同步交易。他坦言如今回看，覺得它未夠純粹，並預告今年ART BASEL將發表延伸而來的新作，「那是一件我不懂得彈的新樂器，我很喜歡它的聲音，會找來一位音樂人作曲和彈奏，結合音樂及比特幣價錢的數據。」 他一直對區塊鏈和加密貨幣感興趣，「我在第一年DIGITAL ART FAIR賣NFT賣得不錯，也有支持朋友的NFT PROJECT，玩了加密貨幣三、四年。我覺得如果你不信任現有銀行制度或經濟體系，就可以用比特幣去表示你的不信任。」

NFT熱潮來去匆匆，他表示：「當年有很多NFT是連同實物出售的，如果賣了實物後留著NFT，那NFT還值那麼多錢嗎？那些以頭像或JPEG 方式存在的NFT，大家是否覺得有價值呢？不過我相信有一小部份的NFT能在歷史上留名，當然也有很多會歸零。」他指這跟近來的AI狂熱頗為類似，「好像有點將來，但大家又不太明白，完全估計不到發展，有很多潛力和幻想。至於NFT熱潮會否重臨，答案永遠是開放的，因為技術繼續有人研發，其理念和初心都很好，例如去中心化、可溯源、透過智能合約予前人ROYALTY FEE等，可是要變成COMMON PRACTICE，還有一條很長的路要走。」

執筆之時，原定三月舉行的DIGITAL ART FAIR剛剛宣佈取消，HENRY原本打算在展覽發表一件RE-VISIT舊作的作品。「以前我有很多作品都由技術出發，像一次技術DEMO，只是換了我的內容進去，後來我見到很多外國藝術家的作品都很富力量，表達出實在的想法，反觀我對自己不太有信心，貪心地加入很多東西，雜質較多。很多時所謂的靈感，就像見到幾個星球連成一線，幾個巧合突然出現，然後你覺得好像有機會發生一些事，但很多時都是客觀和技術上的東西，跟你想說的未必有關。現在我會老實地去面對自己的感覺和喜好，所以有時會重做舊作，放大重要的，拿走不重要的。」

香港 / 世界

除了結合科技與音樂，HENRY好些作品跟本土相關，例如受M+委約創作的《廣東雞尾歌》（2020）集合了一百二十首廣東歌，以電腦演算法重組成全新串燒歌。然而他說自己並沒有特別擁抱香港人的身份，並以設計作例子，「香港概念是成功的手法，很多前輩都做過，很正面地面對自己的身份和文化，只是我不喜歡走別人走過的路。作為一個在港出生和居住的人，作品是否要跟這城市相關？我沒去細想，我覺得自己是WORLD CITIZEN，以前在紐西蘭讀書，也喜歡旅行，我不想像上一代那麼刻意地去講這件事，只是我在城市裡會接觸到很多事物，那我就用那些作題材。」

他認為在港從事藝術仍有優勢，「第一是視野，雖然這優勢愈來愈小了，大家都能用電話看世界。第二是方便，香港是個小城市，很容易完成很多事。第三是這個城市很獨特，是個DRAMA QUEEN，每年都有些大家關注的事情，為藝術家提供很多養分和能量。以前你或者能夠很冷靜、專心地賺錢或生活，不過現在愈來愈難，很多事情會挑撥到情緒和情感，有時令你很忟，有時又令你很溫暖。」至於挑戰，他指香港藝術圈已過了疫情時的蜜月期，「重回正軌後大家選擇多了，未必再會買那麼多香港藝術品，香港藝術家要面對其他地方的競爭，無論是價錢、風格、技巧還是主題，始終世界這麼大，值得關注的事這麼多。藝術家要思考自己應否配合市場，例如做些平面、小巧的作品令它容易賣出？這不是零和一的問題，我覺得你可以考慮市場，卻未必要市場先決。香港要面對的另一挑戰是成本很高，而亞洲其他地方成本很低，現在日圓便宜，而日本的藝術訓練很好，人們長大於一個充滿美學的城市，韓國也很厲害，技巧好，作品有力量，也有文化根基，香港最慘是欠缺文化根基。」提到美學，上期《號外》就有受訪者提出香港變醜了，HENRY回應道：「當權者沒有品味，又或者說品味對當權者來說不重要，他們有品味而沒有去選擇品味，但正因如此，經營品味的人就有空間、有工作。相對來說，日本將美感放在第一位，而他們的代價可能是做得慢，不接受新事物。許多人經常覺得以前的世界好些，不過我覺得這種想法沒有幫助，應該要OPENMINDED、向前看。」

創作 / 收藏

HENRY強調他在創作時並不追求表面的美，「靚是很容易被複製的，如果你不求甚解地去複製，當中沒有力量。有時富意義的東西亦未必靚，靚也有很闊的定義。我不想做一些大家所定義和理解的靚，而想追求有存在價值的靚。人做我又做沒有意思，不過是重複，動機也不是創作，而是借助別人的成功。一件事如果某人不去做，在別處就看不到的話，那才是罕見和獨有的，會令人去思考，否則只可能引起你的記憶。所以做藝術未必要求靚，靚未必會引起情緒共鳴，世上有太多靚的事物，尤其是現在有AI，它會去複製大家所理解的靚，只是隔了一段時日，那種靚可能會過時和空洞。以前我花很多時間去嘗試視覺上的東西，那是無止境的樂園，現在則會多花時間去寫ARTIST STATEMENT，究竟這件作品是關於什麼的？為什麼這件作品是重要的？想看的人感受到什麼？」

問到他的作品可有一個貫徹的主題，還是每次都想帶出不同訊息，他回答：「我很羨慕有些藝術家能貫徹地去做一種風格。我自己會收藏畫作和雕塑，反而極少收藏數碼藝術，正如我喜歡音樂，愈難理解的我就愈喜歡，而畫是我畫不到的，所以我就去收藏。有人說你可以去畫廊或上網看畫，但我覺得當你長時間跟作品相處，才能明白藝術家的想法和作畫的過程。」

環顧HENRY的工作室，盡是別人的藝術品，而不是他的個人創作。「 我喜歡那些在短時間內完成的作品，也很注重創作方式和動機。」他展示其中幾件收藏品侃侃而談：「這兩幅是小畑多丘的畫作，他先在一幅畫上塗滿黑色顏料，然後再把顏料刮到另一幅，他是一位喜歡跳BREAK DANCE的木雕家，這作品包含了MOVEMENT，跟藝術家的身份相關。又例如鮫島大輔在球體上畫了360度的景色，就似是一個反映四周景色的金屬球，有種將我帶去那個環境的假象。我有一件去年離世的三島喜美代婆婆的作品，她把街頭見到的垃圾化作陶瓷。」然後他一邊開動董永康的機械臂裝置藝術，一邊說：「有些藝術家的作品很易認，有一種科技的對話。我也曾擔心過它壞了怎麼辦，但又真的很喜歡它，喜歡到一個不理會後果的程度。我覺得若果我的作品夠好，便不用想太多，很多時回到一個問題：你對作品有多大信心？收藏的過程令我明白了一些事，幫到我去創作。」

藝術 / 設計

作為藝術家，HENRY的作品曾於紐約現代藝術博物館（MOMA）、香港藝術館和M+ 展出；作為設計師，他創立數碼工作室PILL & PILLOW，曾贏得多項國際大獎。在藝術和設計界雙軌並行，HENRY在大學時主修的卻是電機及電子工程，「那時我以為讀完就可以自己設計一套音響出來，後來才發覺原來不太相關，我較有興趣的一科是跟圖像有關的SIGNAL PROCESSING。如果有機會重選，我可能會讀媒體藝術或建築，因為我喜歡邏輯，也喜歡漂亮的事物。」畢業後他投身結合科技與美學的網頁和數碼設計，「只要輸入CODE，電腦就會產出文字和顏色。我也喜歡編程，喜歡扮演神的角色，在PROGRAM裡面可以設定很多規則，譬如我要一千個圓形，我只要做一次，電腦就可以重複畫餘下999次。有時寫錯了CODE，電腦更會做出意料之外的事，帶來驚喜。」至2000年左右，他開始踩過界做藝術，「那時期的網站很富實驗性，發展出INTERNET ART，令我發現原來我一直想做這件事，因為我喜歡畫畫但技巧不足，所以想靠科技來彌補，音樂方面也是如此，我喜歡彈琴但彈不好，在藝術中加入這些元素時，我甚至不需要彈準每一個音，而是用電腦將一些東西例如數據，變成影像或聲音，這是一個轉化的過程。」

在他眼中，設計和藝術的分別不在技術，而是心態。「我做設計時會站得很後，先聽取所有人的要求，你要綠色，你要RETRO，你要付錢，就像身處一間房中，每個人各自劃位，而我要在餘下的空間裡想出最好的東西，其實我沒有選擇。」相反在藝術創作時，他可以天馬行空不受限制，「以前只做設計時，我總想做些沒人做過的東西，現在就把這些追求放在藝術當中，設計時就可以直觀些，不會鑽牛角尖。現在大家對設計的要求不高，這行很難做，有很多挑戰，例如AI，又例如大家做社交媒體而不做網站，那就更容易用些廉價的TEMPLATE，甚至覺得抄都無所謂，很少去開發自己的STYLE。對我來說藝術是一種LEVERAGE，我有些同事原本是做WEBSITE、砌LAYOUT的，我現在會叫他們學3D和TOUCHDESIGNER，有個同事又日日幫我3D SCAN或上螺絲。你在外國找個設計師來燒焊，他才不會理你，香港有一樣好，就是大家都很靈活。」在這瞬息萬變的世代，拒絕被任何標籤定義，或許正是探尋出路的通關密碼。

Text：梁懿

Photo courtesy of the interviewee